Category Archives: Musguide

ISTANBUL, PARADIGMA D’UNA CIUTAT BELLA, EXÒTICA, PERÒ DE SENSACIÓ CAÒTICA

Quan l’any 324 de l’era cristiana l’emperador romà Constantino I va voler construir la “Nova Roma” sobre l’antiga ciutat de Bizanci perquè fos la Capital de l’Imperi d’Orient, emulant Roma, la va dotar d’una urbanització tal que pogués arribar a ser centre administratiu, cultural i religiós; els estigmes propis i naturals d’una capital imperial sorgida en terres hel·lèniques. La “Nova Roma” va deixar molt aviat de dur aquest nom, ja que va canviar-lo pel de Constantinoble en honor del gran Emperador. També va deixar molt aviat la difícil romanització que Constantí va voler imposar-li; amb la divisió definitiva de l’Imperi l’any 395 es va hel·lenitzar tornant als seus orígens de ciutat grega. Per la seva situació estratègica en el món romà oriental fou fortificada, en primer lloc per Constantí i després per Teodosi, amb les muralles que encara avui podem contemplar. Si Constantinoble havia quintuplicat en extensió ja des dels seus orígens a Bizanci, amb l’emperador Justinià va arribar al seu màxim esplendor en habitants, en palaus i monuments civils i religiosos, entre ells el temple patriarcal de Santa Sofia (Aga Sofia actual); immenses obres d’enginyeria, biblioteques, aqüeductes, monuments artístics i lúdics han arribat fins a nosaltres malgrat els grans avatars que la Ciutat va haver de suportar al llarg de tants segles. El món islàmic va voler deixar la seva empremta, va embellir encara més la Ciutat i la islamitzà: era l’any 1453 quan el sultà Mehmet II es va apoderar de Constantinoble al comandament de l’exèrcit turc. Aquest fet va fer canviar el rumb de la Història, de la Societat, de la Humanitat. A partir de llavors els temps futurs descobririen avenços, enigmes i descobriments. El 29 de maig d’aqueix any va desaparèixer l’últim reducte de l’Imperi Romà d’Orient, Bizanci, cremat en nom de l’Imperi Turc: a partir de llavors Constantinoble es dirà Istanbul (el nom ve del grec “eis ten polin” “cap a la ciutat” , istenpoli, istambol, Istanbul).

Istanbul continuarà sent la capital d’un altre imperi, l’otomà, fins a l’any 1923 en què es va fundar la ciutat d’Ankara en temps de Ataturk. En successius califats otomans, Istanbul és orlada de majestuoses edificacions civils, militars i sobretot religioses. Pràcticament hem de dir que la majoria dels monuments anteriors a la conquesta otomana es van conservar transformats per les noves creences, es van mudar de credo, es van imitar rendint culte a les cultures que van formar la Ciutat, excepte en alguns casos: la Mesquita del sultà Ahmet , més coneguda com la “Mezquita Azul” a causa del color de les seves impressionants rajoles, va ser construïda sobre els fonaments del palau dels emperadors bizantins; aquest mateix Sultà va voler la construcció d’una mesquita que superés a la inigualable Santa Sofia. Totes dues són un exponent admirable de l’art en versió geomètrica; uns models al natural pels arquitectes renaixentistes d’Itàlia.

L’antiga i populosa capital de Turquia està repartida en tres zones ben delimitades: dues europees, separades per una petita cala punxeguda anomenada “Banya d’Or”, i una altra asiàtica. Entre les seves costes es tanca el mar de Màrmara (marbre); dos paisatgístics estrets guarden aquest mar: el Bòsfor el separa del mar Negre, mentre que el Dardanelos de l’Egeu.

La zona europea del nord ocupa la part més històrica, turística i antiga de la Ciutat, correspon a l’antiga Bizanci grega sobre la qual es va construir Constantinoble: va des del Bòsfor fins a les muralles de Teodosi o “bizantines” com allí es diuen. Comença al Palau de Topkapi, una mena de alcàsser meravellós que tanca una ciutat medieval, un complex de salons i dependències múltiples on el luxe i l’opulència són testimonis d’una societat senyorial; tot està distribuït, segons el gust islàmic, per patis; fins i tot les cuines parlen de l’esplendor senyorial. Aquest Palau, parc inclòs, es troba als voltants de l’estació ferroviària de Sirkeci. Propers al Palau Topkapi es troben els monuments de Santa Sofia, la Mesquita Blava, el Museu d’Art Turc i Islàmic, la Mesquita i la Torre de Beyazit. La Cisterna Yerebatan o Cisterna Basílica és un enorme aljub de 336 columnes amb capitells corintis del s. VI, destaquen les bases de marbre de dues d’elles-que van formar part d’una altra edificació- perquè els seus relleus estan representats per meduses clàssiques i estan col·locades en posicions diferents per ocupar el buit. Més allunyades trobem les Mesquites de Solimà i Rustem Passa, propera aquesta al pont de Gàlata. També trobem l’aqüeducte de Valens, el Gran Basar i el Basar de les Espècies o Egipci, entre molts edificis notables que es reparteixen en els més de 6 km. de longitud que ocupa la zona. Cal visitar el monestir bizantí, ara Museu Kariye, de Sant Salvador de Chora, pels seus mosaics i frescos que s’hi conserven. Al costat de la Mesquita Blava trobem l’Hipòdrom romà construït al 203 per Septimi Sever. L’emperador Teodosi va portar del Temple de Karnak el monòlit de granit vermell amb 30 metres d’altura per en aquest lloc erigir-lo, el monolit pertany a l’època del faraó Tutmosis III; destaquen en ell els relleus de l’Emperador i els seus fills Arcadi i Honori, entre els quals repartirà definitivament l’Imperi Romà. A la part sud del Hipòdrom també es pot contemplar la columna de bronze del s. X, el metall daurat va ser fos pels croats i avui només es conserva la seva estructura de pedra en forma de tosc obelisc. Crida l’atenció la columna Serpentina, feta en bronze per celebrar la victòria dels grecs sobre els perses en el 479 abans de Crist; estava dedicada a Apol·lo en el santuari de Delfos, la imatge representava 3 serps enroscades que simbolitzaven Apol·lo Pitó, només es conserva el cap d’una d’elles al Museu Arqueològic d’Istanbul. Palaus, mesquites, esglésies i moltes altres edificacions es poden observar per aquesta zona, al llarg de l’estret del Bòsfor.

La zona europea del sud d’aquesta enorme Metròpolis està separada de l’anterior, com ja s’ha dit, per la “Banya d’Or”. Aquesta terra antigament la ocupaven les poblacions de Gàlata i de Pera, transformades ara en dos enormes barris rics, puixants i comercials d’Istanbul. En aquesta zona es troba la part més moderna, amb els serveis propis de qualsevol ciutat d’Europa, amb carrers ben traçats que convergen en el centre urbanístic de la plaça de Taksim; d’elles Istiklal Caddesi és la principal, on podem trobar edificis comercials de marques nacionals i multinacionals i també transports públics moderns. Barris importants conformen aquesta zona; entre ells cal destacar el de Besiktas pel seu famós Palau Dolmabache situat a la vora del Bòsfor; és un Palau fastuós per la seva immensa ornamentació en tones d’or i plata; de façana barroca, recoberta amb marbres i dividit en tres zones, el centre l’ocupa el saló del tron, les ales són per a l’harem i dependències oficials. És increïble l’enorme fortuna que s’hi troba a l’interior d’aquest monumental edifici.

Altres edificacions interessants són: la Torre Gàlata, que data de temps de l’emperador Justinià; el monestir Mevlevi, edificat al s. XVIII i avui convertit en Museu de Música; la neogòtica església cristiana en actiu de Sant Antoni de Pàdua; les mesquites de Kiliç Ali Passa i la d’Ortaköy, per citar algunes. Hotels, Centre Cultural de Ataturk, la Torre Saphire, … Dos ponts connecten la Zona Nord amb la Sud: el d’Atatürk i el de Gàlata, aquest últim acull, de principi a fi, un seguit de restaurants per ambdues ribes, això sí, per a turistes, no cal dir; travessar representa un rosari de recitals de cartes i delícies de cada un d’ells, per si es pica, … amb insistència ininterrompuda, però suportable quan t’acostumes. Al costat del pont Gàlata, cuiners, en unes barques cridaneres per la seva decoració i pintat, van aixecant castells de peix rostit, mentre els cambrers preparen al mateix temps entrepans d’aquest saborós menjar condimentat amb salses i amanida, a preu mòdic.

La zona asiàtica és l’equivalent a l’extraradi d’Istanbul, o centre de connexió amb la península d’Anatolia. Està a l’altra banda del Bòsfor; ponts i ferrocarril l’enllacen amb la resta metropolitana. La major part de la població és d’origen turc i viuen als barris de Üscüdar i Kadiköy. No està considerada com una zona d’atracció turística, ja que no té monuments destacables. Però, diuen que és la zona d’ambient més genuí i autèntic d’Istanbul. Entre els seus monuments es pot citar: la Mesquita del Port o de Mihrimah Sultan que és del segle XVI i va ser construïda per a la filla de Solimà el Magnífic; la Mesquita Nova del s. XVIII, més coneguda com la de Yeni Valide; la Universitat de Màrmara, l’estació de ferrocarril Haydarpasa, el Palau Beylerbeyi que es va construir per a residència dels caps d’estat estrangers, l’església de Pammakaristos del s. XII, etc

La primera sensació que Istanbul pot produir als occidentals, potser sigui la d’una ciutat enormement populosa, invertebrada, sorollosa, que no es pot fer un pas sense que no tinguis algú darrere dient excel·lències o intentant vendre’t alguna cosa encara que sigui nímia. Si a això se li afegeix la peculiaritat que quan menys t’ho pensis et prendran la jaqueta, especialment quan diuen al comprador tímid “posa el preu”, arriben a aclaparar i atabalar en excés. La nostra cultura ja no sap discutir el valor d’una compra, ni tan sols d’ajustar el preu d’un taxi, ja que estem acostumats que els preus marcats són fixos. A Istanbul això no és així, de tot i per tot s’ha de regatejar, i encara fent-ho, sempre et queda allò de si l’has encertat o no. En restaurants, bars, comerços, etc., sempre hi ha algú darrere nostre que volent ser servicial no et deixa ni respirar, tant que et fa pensar: aquesta Ciutat és un caos, ni tan sols et donen l’oportunitat d’estar tranquils asseguts en una terrassa. Quan s’està allí diversos dies aquesta sensació desapareix.

Viladomat, un pintor de l’11 de setembre de 1714

El Pg. de Lluís Companys, conegut abans amb el nom de Víctor Pradera i també Pg. de Sant Joan, acaba a L’Arc de Triomf que ha quedat com a símbol històric i porta d’accés al recinte on es va fer l’Exposició Universal de 1888 de Barcelona. Aquest passeig és un dels indrets més bonics de la Ciutat Comtal; està ubicat davant mateix del Parc de la Ciutadella i ornamentat amb fanals modernistes del barceloní Pere Falqués i Urpí; aquest arquitecte potser sigui més conegut pels fanals del passeig de Gràcia, però se’l coneix també, entre altres obres, pel monument a Rius i Taulet on s’inicia aquesta avinguda. A banda i banda del monument dedicat a tan insigne personatge i promotor de la Barcelona universal, podem admirar les estàtues del gran cavaller i aventurer Roger de Flor i la de l’artista barroc Antoni Viladomat i Manald. Qui no coneix la pintura d’en Viladomat i vol gaudir d’ella, pot fer-ho perquè aquest any se li està dedicant una exposició múltiple  al Museu d’Art de Girona, al Museu Diocesà i Comarcal de Lleida, al Museu de Mataró i al Museu Nacional d’Art de Catalunya.

Antoni Viladomat gaudeix  des del darrer quart del segle XIX d’una amplia bibliografia i ocupa lloc a la Galeria de Catalans Il·lustres dins la Reial Acadèmia de Bones Lletres. A la seva època va ser famós, essent elogiat per l’acadèmic  del segle XVIII Anton Raphael Mengs. Viladomat va entrar d’aprenent del pintor Joan Baptista Perramon als nou anys d’edat, quan encara Catalunya era un estat. Més tard va col·laborar amb el pintor italià Ferdinando Galli “Bibiena” decorant l’església de Sant Miquel, avui desapareguda; ja que Bibiena era l’artista més destacat de la cort de l’arxiduc Carles III a Barcelona, aquesta col·laboració va ser molt positiva tant per a la seva formació com també per a la seva economia, doncs la seva producció va anar creixent. També el seu prestigi va anar en augment degut als litigis amb èxit que va mantenir amb el Col·legi de Pintors de Barcelona perquè el cosiderava d’un esperit gremial i menestral. Aquesta circumstància féu que el seu taller es consolidés i fos lloc de formació per a molts pintors i artistes.

La seva producció com a pintor fou molt abundant, però una bona part important de la seva obra s’ha perdut. Malgrat tot, es conserva una quantitat important com per catalogar la seva personalitat artística. Al Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) es recull un conjunt de dibuixos de qualitat excel·lent; els quadres de les “Estacions”, de natures mortes i altres de temàtica religiosa, especialment els quadres sobre Sant Francesc, pintats per al convent dels franciscans de Barcelona. A la capella dels Dolors de Santa Maria de Mataró, es pot trobar un conjunt de quadres representatius del barroquisme català: els “Dolors de la Mare de Déu” formant un tema únic amb àngels i apòstols, evangelistes i sants que es complementen amb pintures murals al tremp que recobreixen la volta i les parets laterals de la capella. Viladomat en els quadres de vida religiosa ens mostra una inspiració sòbria, quasi mística, amb una severitat impròpia del barroquisme peninsular; vol defugir dels sentimentalismes exagerats amb una tècnica expressiva, natural i elegant.

El pintor català va assolir aquesta tècnica tan acurada gràcies al seu treball, utilitzant esbossos, dibuixos i un estudi acurat de la composició en escena. El seu dibuix demostra un fort coneixement del natural, formant part de l’ambient i paisatge català, i de la llum mediterrània. Les seves excel·lents qualitats artístiques s’han vist potser una mica disminuïdes a causa de les seves possibilitats econòmiques. Hi ha peces que ens parlen del geni que portava a dins, mentre que altres ens parlen de la necessitat del pa de cada dia.

Viladomat fou un gran i excel·lent pintor barceloní; el millor pintor català del seu temps: Barcelona el reconeix així i li dedica un gran carrer de l’Eixample. Va ser un home marcat pels fets del 1714, doncs va néixer en una terra plena d’institucions, llengua i lleis pròpies, però va morir en una simple província. “Viladomat va tenir les virtuts i els defectes que podia tenir qualsevol artista” dins de l’època que li va tocar viure. Les institucions actuals catalanes recullen l’obra de l’artista més rellevant del seu temps, dins del marc del “Tricentenari dels Fets”.

Jackson Pollock

La majoria dels artistes segueixen l’estil propi de l’època en la qual es troben. Però això no sempre succeeix així; és més, molts prefereixen seguir el de l’època anterior i inclús els que tenen una personalitat molt forta, creen el seu propi estil. Aquest és el cas de Paul Jackson Pollock, més conegut com Jackson Pollock (Wyoming, EUA 28/1/1912 – Nova York, EUA 11/8/1956).

Va ser un important i influent pintor americà i una destacada figura en el moviment de l’Expressionisme abstracte.
Va començar la seva carrera artística pintant obres de petit format tancat en un taller, com molts altres artistes de l’època, fins que es va adonar que en aquestes petites obres no podia expressar tot el que volia, i així va començar a realitzar obres de gran format, fent servir tot el seu cos com a instrument de pintura encara que també la paleta i el pinzell. D’aquesta manera, tota l’energia i força del seu cos quedava expressada en els seus llenços.

El seu estil ràpid va ser reconegut pel fet d’anar esquitxant la pintura. Així es va introduir en l’ús de pintura líquida, utilitzant com a tècnica la d’abocar-la com una tècnica sobre els seus llenços de principis de 1940. Va començar a utilitzar a més com a instruments pinzells endurits, vares i xeringues; potser per primera vegada, va fer servir pintures de resina sintètica, anomenada vernís alkyd, que era nova en aquella època.

En les seves obres no hi existia un centre de fuga, com a punt principal de referència en el qual fixar-se; sinó que eren ratlles i taques, unes damunt de les altres, mescles de colors i esquitxades sense cap objectiu en concret. Pollock anava pintant fins a aconseguir un bon resultat.
La tècnica de Pollock d’abocar i esquitxar pintura és reconeguda com un dels orígens de l’action painting (pintura d’acció) ja que involucrava tot el cos, d’aquesta manera l’artista es podia expressar al màxim.

Pollock va signar un contracte amb Peggy Guggenheim al juliol de 1943. Va rebre una comissió per crear Mural (1943), de 8 peus d’altura i 20 peus de longitud, per implantar-ho en l’entrada de la nova casa de Guggenheim. A suggeriment del seu amic i conseller Marcel Duchamp, Pollock va pintar aquesta obra en un llenç en lloc de la paret perquè fos portàtil.
Aquest gran artista va creure convenient el fet de deixar unes obres sense títol i unes altres de deixar-les simplement enumerades, com per exemple –una de les més importants- la “Número 1”. D’aquesta forma, l’autor aconseguia evadir la cerca d’elements figuratius per part de l’espectador. Pollock preferia que cadascú deixés volar la imaginació fins a trobar la seva própia explicació, en comptes de tenir tots una mateixa sensació de l’obra i buscar un mateix sentit. L’autor creia que els nombres eren neutrals, i per això permetien a les persones veure la pintura pel que és – pintura pura.

Pollock va destacar al món de l’art; gràcies al seu propi estil, a la seva gran imaginació i al valor del colorit. L’estiu es presenta propici per buscar algunes de les seves obres i deixar volar la nostra imaginació.

Antoni Tàpies, màxim representant català de l’informalisme.

Molts de nosaltres hem vist obres d’aquest autor i ens hem preguntat; Què representa?, Quin és el seu significat real?…I és que a vegades és difícil saber què és el que ens està intentant transmetre, ja que segons l’estil de l’obra o segons ell mateix, el significat pot arribar a ser més o menys complex. Això passa sovint amb Antoni Tàpies (Barcelona 13 de desembre del 1923–6 de febrer de 2012).

Tàpies està considerat com un dels principals exponents a nivell mundial de l’informalisme que, amb la seva formació autodidacta, va crear un estil propi dins del vanguardisme del segle XX, en el qual es combinaven en un estil abstracte la tradició i la innovació, ple de simbolisme, donant gran rellevància al substrat material de l’obra. Tàpies es va situar dins de la denominada “pintura matèrica” , també coneguda com “art brut”, que es caracteritza per una gran varietat de materials heterogenis en les seves pintures, en les seves escultures,… amb les quals va crear una tècnica mixta, moltes vegades amb materials de reciclatge com si de Jujol es tractés: paper, tela, draps i fins a trossos de mobiliari com en el monument a Picasso…barrejats amb materials tradicionals de l’art per buscar un nou llenguatge d’expressió artística, i tal vegada per això es diu que Tàpies es basava en el predomini del collage.

També podríem afegir que era partidari de l’ús de colors purs i figures geomètriques en les seves obres per estar d’acord amb la seva filosofia principal: fer de l’insignificant el més important.

Podem considerar que les seves obres més característiques són les que aplica la seva mixtura de diversos materials en murs o parets, a les quals afegeix diferents signes amb els seus significats diferents, similars en cert aspecte a l’art popular conegut avui dia com el “grafiti”.

Les obres de Tàpies contenen signes d’una diversitat insaciable, com creus, llunes, asteriscos, lletres, nombres, figures geomètriques, etc. Per a aquest autor aquests elements tenen un significat al·legòric relacionat amb el món interior de l’artista; i així pot evocar temes tan transcendentals com la vida i la mort o com la solitud, la incomunicació o la sexualitat. Dóna a cada figura un significat concret: les lletres A i T tant poden ser les inicials del seu nom i cognom (Antoni Tàpies) com la lletra principal d’Antoni i Teresa (la seva dona); la X com a misteri (incògnita) o símbol de les coordenades de l’espai o la lluita de dues forces oposades i com és habitual per a tothom el signe de ratllar alguna cosa; la M l’explica de la següent manera:

“Tots tenim una M dibuixada en les línies del palmell de la mà, la qual cosa remitent a la mort, i en el peu hi ha unes arrugues en forma de S; tot combinat era Mort Segura”.

D’altra banda, sabem que Tàpies es basava en cromatisme molt auster, a causa que generalment es movia en gammes de colors purs, freds, terrosos, com l’ocre, marró, gris, beix o negre.

La temàtica de la seva obra reflecteix una gran preocupació pels problemes de l’ésser humà: la malaltia, la mort, la solitud, el dolor o el sexe; lloc que es va basar en la seva pròpia experiència de la vida. Ens va donar una nova visió de la realitat, sent aquesta més senzilla i quotidiana, però mostrant sempre la seva veritable espiritualitat, difícil de definir. La concepció vital de Tàpies es basava en la filosofia existencialista, que remarca la condició material i mortal de l’home, l’angoixa de l’existència, la solitud, la malaltia, la pobresa, etc. L’existencialisme assenyala la destinació tràgica de l’home, però també reivindica la seva llibertat, la importància de l’individu, la seva capacitat d’acció enfront de la vida; així, Tàpies pretenia amb el seu art fer-nos reflexionar sobre la nostra pròpia existència.

Més tard, influenciat pel pop-art, va començar a utilitzar objectes més sòlids en les seves obres, com a parts de mobles ja anteriorment esmentats. No obstant això, la utilització d’elements quotidians en l’obra d’aquest autor no té el mateix objectiu que en el pop-art, en Tàpies sempre està present el substrat espiritual, la significació dels elements senzills com a evocadors d’un major ordre universal i no la banalització de la societat de consum i els mitjans de comunicació de masses propis del pop-art.

Així doncs, les obres de Tàpies a simple vista són difícils de comprendre, però una vegada coneixem el seu significat tenen molta lògica. El problema és que costa entendre el seu estil i les seves característiques, la seva idea del que volia transmetre i la seva veritable filosofia de la vida. Per poder saber tot això i més, MusGuide ens proporciona tota la informació necessària amb la qual després podem anar a la Fundació Antoni Tàpies o al MNAC (Museu Nacional d’Art de Catalunya) coneixent i entenent les seves obres.

Antoni Tàpies és un gran artista.

Sorolla, la llum del sol i el mar

sorolla

Quan es va a contemplar una exposició d’una obra pictòrica d’algun autor considerat famós o que a un li omple l’esperit, pot succeir, alguna vegada, que els afegitons no sempre coincideixen amb el visor de la nostra vista quan es tracta colors. I un es pregunta si l’apreciació cromàtica en les diferents graduacions que cada color té és similar, no idèntica, en totes les persones; de vegades es pot qüestionar aquesta apreciació del crític en relació a la de l’autor. El perquè d’aquest inici ve donat com a conseqüència de la fantàstica i extraordinària exposició que la CaixaForum li dedica a Joaquín Sorolla al seu Centre Social i Cultural de Barcelona; exposició que podrà ser visitada fins al 14 de setembre.

Sorolla és un amant de la mar, del seu color canviant com la llum solar en cada moment del dia. El pintor valencià té ànima de mariner mediterrani, el de la seva terra; però lluny d’acomodar­se en el costumisme històric, com així va ser en la seva època de formació interpretant les modalitats acadèmiques; aviat abandonà la tècnica de dibuixant d’interiors per llançar­se a la pintura naturalista que li oferia l’exterior, a l’aire lliure, on dóna forma a una tècnica fluida i de pinzellada llarga, a l’estil de Jules Bastien­Lepage i de l’alemany Adolf von Menzel; aquests pintors gaudien de paleta clara, factura solta i pinzellada llarga, plasmant així amb gran mestria els efectes lumínics, que tant impressionaran a Joaquim Sorolla.

En els seus anys de formació admira profundament per Velázquez perquè el considerava proper a la seva sensibilitat avantguardista tan aviat el descobreix al Museu del Prado. També els pintors modernistes catalans, coetanis seus, Ramon Casas i Santiago Rusiñol, interessats com Sorolla en representar els efectes de la llum a l’aire lliure, es deien ser els autèntics hereus dels ensenyaments del gran pintor barroc.

El seu sogre, Antonio García que era fotògraf de professió, coneix al jove pintor valencià a través del seu fill Juan Antonio quan tots dos estudiaven a l’Escola de Belles Arts; coneixedor del seu talent com a pintor, no dubta en protegir­lo donant­li treball en el seu estudi i ensenyant­li simultàniament els sistemes de manejar la llum, l’enquadrament de la imatge i tots els recursos expressius que podem admirar en els quadres de platja.

Destaquen d’aquesta època de pintura històrica: “Una altra Margarita”, “I encara diuen que el peix és car” i “Trista herència” entre d’altres.

Va arribar la seva projecció internacional quan va obtenir el “Grand Prix” del Pavelló d’Espanya i Portugal a l’Exposició Universal de París de 1900. A partir d’aquesta data, museus de Luxemburg, Berlín, Londres, Nova York, … s’interessen per la seva obra; tot i rebre certes crítiques controvertides, arriba al cim de la seva fama i èxit després d’exposar a Chicago i a Saint Louis.

En quadres com “Pescadors valencians”, “Menjant a la barca”, “Cosint la vela” o “Trista herència” comença a manifestar el seu amor per la pintura a l’aire lliure, tot i pintar­hi quadres de costums; però determinades facetes estan dominades pel sol recreant­se en el luminisme que li farà cèlebre anys més tard. De vegades una simple ombrel∙la marca l’enquadrament o serveix per filtrar la llum poderosa del sol, del qual cal protegir­se, com succeeix en el quadre “Migdia a la platja de València”, pintat com un mosaic de petites pinzellades i contrallums. Altres vegades és la figura la que ocupa la major part del llenç per donar una visió més fotogràfica, com apareix en “Jugant a l’aigua” o en “Nenes al mar” o en “Sortint del bany”, …

La seva plenitud com a pintor es troba especialment en els quadres pintats a les platges valencianes de Xàbia i El Cabanyal, on nois formen l’enfocament principal i fotogràfic sota un sol abrasador.

La llum solar és l’única vestimenta que dóna vitalitat als seus cossos, mentre el blau canviant del mar, segons la profunditat de les seves aigües o el moment del dia, acull la seva nuesa com a part integrant de la natura. A vegades Sorolla ens porta cap a una mostra contemplativa del fons marí sota unes aigües nítides i transparents i els cossos de nens “Nedadors”, els moviments i color es dilueixen i queden subtilment difuminatsats en tons més o menys violacis i en contrast amb les carns envermellides entre taques blanques de les seves espatlles exposades al sol. “Em seria impossible pintar a l’aire lliure a poc a poc tot i que volgués”, ja que veia que el sol estava en continu moviment canviant­li el color de les coses, i, per això, sentia necessitat de “pintar de pressa”. Els nens per Sorolla estan sempre relacionats amb el mar, ja per expressar un complex lluminós de blaus i blancs, ja per mostrar imatges ben enfocades o desenfocades com contrallums.

Són fabulosos els quadres pintats a les platges de Biarritz i de Sant Sebastià, en què el vent i el mar semblen rivalitzar en la gamma dels blancs, com en el llenç “Instantània, Biarritz”: el vent a ratxes agita un mar escumós i un vel que envolta la imatge central. En aquests llenços és quan s’associa la pintura a l’aire lliure amb els grans formats reservats per a pintura de taller; la llum és l’encarregada de delimitar la profunditat espacial perquè els elements del quadre apareguin en primer pla, tal com va aprendre al taller fotogràfic del seu sogre. Sorolla s’aparta a la vegada de l’impressionisme francès ja que la llum per a ell no és un element que conforma els objectes, sinó com a espectacle d’una naturalesa desbordant i plena de vida.

En l’exposició de la CaixaForum “SOROLLA. EL COLOR DEL MAR”, es poden trobar tots aquests efectes tractats aquí sobre la llum i el color. L’exposició presenta a Sorolla en les tres etapes de la seva producció. Des del nostre punt de vista és una bona ocasió per acostar­se a l’obra del gran pintor valencià: l’anàlisi crítica, la temàtica dels quadres i els apunts dedicats a cada un d’ells mereixen una bona visita.

La Sagrada Família, les seves vicissituds i avatars, i els seus arquitectes

Sagrada Familia de Barcelona
Sagrada Família de Barcelona

Qui coneixeran Antoni Gaudí afirmen d’ell que, tot iniciant la seva carrera com a arquitecte, considerava que no s’arribava al cim de l’arquitectura mentre no s’aconseguís edificar una gran església. En això coincidia bastant amb la novel·la. “Els pilars de la terra” de Ken Follet i, possiblement també, amb tots aquells grans mestres que a l’Edat Mitjana van rebre l’encàrrec del seu somni daurat: construir una catedral. Pere Montagut va ser un d’ells, ja que se li va cridar a construir la gran basílica del barri barceloní de la Ribera “Santa Maria del Mar” o com Ildefonso Falcones la titulà en la seva preciosa novel·la “L’Església del Mar”. Per si algú sentís interès per conèixer més a fons la seva història, els seus carrers i places, i els palaus d’aquesta zona barcelonina, Musguide té la ruta cultural “Santa Maria del Mar i la Ribera” que ens dóna tot tipus de detalls, sobre aquest edifici gòtic, considerat amb escreix el millor temple català en aquest estil, com així mateix dels edificis senyorials i palaus dels voltants. Tots els que van emprendre una obra de tal dimensió, sabien en consciència que ells eren els iniciadors, però que la seva obra tindria continuïtat gràcies a altres arquitectes que vindrien després; encara que fossin tan joves com l’arquitecte de Reus a qui el 1883, cinc anys després d’obtenir el seu títol d’arquitecte, li van proposar continuar el projecte d’un temple neogòtic que un any abans havia iniciat D. Francisco de Paula del Villar en honor de la Sagrada Família. Gaudí va acceptar sense fer un altre projecte nou, no calia, el portava en la seva ment privilegiada, en el seu esperit d’artista, en la seva ànima cristiana.

El temple expiatori de la Sagrada família va necessitar arquitectes amb la genialitat i l’esperit sensible, senzill, humil, similar al del gran arquitecte Antoni Gaudí. És més, ell era conscient que la seva vida era limitada, i per això va posar tot el seu esforç a intentar deixar als seus continuadors un portal acabat del tot perquè els servís d’exemple; no el va poder acabar íntegrament a causa del seu malaurat accident mortal. Els arquitectes que van seguir la seva obra van respectar el seu projecte i la interioritat religiosa del Mestre. A la Façana del Naixement, Gaudí havia deixat el seu testament i el seu ajudant i deixeble: l’arquitecte Domènech Sugranyes, va complir amb tota fidelitat el seu llegat i tant ell com els seus successors portaren a terme la seva visió arquitectònica.

Tots ells van haver de salvar problemes i dificultats no previstos, com si es volgués complir al peu de la lletra el que sovint repetia Gaudí “a la Sagrada Família tot és providencial”: problemes econòmics, dues guerres, incendis, incògnites tècniques, .. . que s’anaren solucionant amb l’aparició d’un fragment d’una maqueta original, uns documents inèdits, aportacions generoses en moments de greus dificultats econòmiques, i un llarg etc. Gaudí ja va tenir molts problemes en vida amb les ordenacions urbanístiques, doncs ja el 1916 va haver de presentar una al · legació documentada davant l’Ajuntament de Barcelona per les remodelacions que poc a poc s’anaven efectuant a l’entorn del futur temple. Aquests problemes van continuar i continuen existint, encara que de moment es callin, com per exemple el túnel de l’AVE que passa a quatre metres de distància dels fonaments al carrer Mallorca; l’Ajuntament ho va disposar malgrat l’opinió de la UNESCO i del Ministeri d’Obres Públiques; quan va intervenir la Justícia el túnel ja s’havia consumat.

Sugranyes continuaria fent-se càrrec del Temple com arquitecte director fins a 1936. Amb la Guerra Civil Espanyola es van aturar les obres fins 1944 que es va fer càrrec d’elles Francesc de Paula Quintana; aquest, a més d’haver dirigit l’exposició d’homenatge a Gaudí a la Sala Parés, li va tocar reorganitzar la Junta del Temple i va haver de recompondre tots els desperfectes ocasionats el 1936, que van afectar sobretot a les maquetes. El 1957 la Junta Constructora va celebrar el 75 aniversari de la primera pedra de la Basílica amb un viatge de peregrinació a Roma; va ser rebuda per Pius XII i va donar el seu suport a continuar les obres. Es va decidir construir la Façana de la Passió i fer una col·lecta anual per intentar tenir construïts els quatre campanars el 1976. Primer, Isidre Puig va prendre l’encàrrec de tirar endavant les obres fins 1974 i després Lluís Bonet i Garí les va continuar. Per a la construcció de la Façana es van basar en un dibuix de Gaudí i en les explicacions que els havia donat ja que van ser deixebles seus. Hi va haver campanyes en contra de la continuïtat de l’obra; contra tot i contra tots, tant fossin nacionals com estrangers, van seguir construint el Temple, tot i la penombra i incertesa econòmica, amb voluntat fèrria, tirant endavant el gran projecte d’un geni, d’un arquitecte que va voler construir la primera catedral d’un nou estil, que potser és també l’última. Cal destacar que un mexicà de pares catalans va oferir a la Junta del Temple una quantitat anual equivalent a la que es recollís en cada col·lecta; sent nen va acompanyar al seu pare a visitar les obres de la Sagrada Família.

El 1983 l’arquitecte Francesc de Paula Cardoner va dirigir la construcció, després d’haver estat elegit per Lluís Bonet i Armengol que ocupava el càrrec de director general de Patrimoni Cultural i Artístic de la Generalitat de Catalunya. Es triaria el 1986 el gran escultor Josep M ª Subirachs per decorar tota la nova Façana integrant la seva escultura a l’arquitectura de Gaudí, però amb les característiques del seu propi estil i creació: va fer en pedra una autèntica tragèdia grega narrativa sobre els últims moments de la vida de Crist; fins i tot aprofitar les portes de bronze per donar major realç a la seva narració. La Junta Constructora l’any 2009 li va encarregar les set portes de la Façana de la Glòria. Per aquest llavors ja era l’arquitecte Jordi Bonet i Armengol, fill de Lluís Bonet, qui dirigia les obres, posant tota la seva força en enllestir-les  perquè estiguessin a punt per tal que el papa Benet XVI celebrés l’eucaristia de la consagració de Basílica Menor el 7 de novembre de 2010.

Per a més informació sobre el Temple Expiatori de la Sagrada Família poden acudir a Musguide ruta “Temple Expiatori de la Sagrada Família”.

Nota: les basíliques poden ser majors o menors. Les majors només estan a Roma, ja que únicament en elles el celebrant ho és el papa. Abans els papes no es movien de la Ciutat Eterna.

La nit dels museus oberts

Existeixen iniciatives que val la pena conservar i especialment aquelles que estan relacionades amb la cultura.

La nit dels museus oberts. La noche de los museos abiertos. The night of the museums. Nuit européenne des musées.
La nit dels museus oberts.
La noche de los museos abiertos.
The night of the museums.
Nuit européenne des musées.

La Nit dels Museus Oberts, és digna d’elogi; i, precisament per això, estaria molt bé que es convertís ja en un costum i servís d’exemple a altres poblacions on encara no han provat aquesta iniciativa. Veure les cues que es formen pacientment per entrar en un o altre museu, fa que un se senti agraït a les persones que van tenir una idea tan feliç. És un respir per somiar que no tota la societat es mou per inèrcia del materialisme ni tampoc per les novetats tecnològiques exclusivament, que d’això molt hi ha.

En una nit així neixen moltes oportunitats en una ciutat amb tanta història a coll com Barcelona. Es pot un moure entre els anys d’or de la Corona d’Aragó i xopar-se del llegat medieval que hem rebut com a herència. Els qui visiten, per exemple, el Museu d’Història de la Ciutat de Barcelona, no només tenen l’oportunitat de conèixer els seus orígens o les importantíssimes peces que allí es guarden, sinó també de gaudir de l’entorn del lloc on es troba; però sobretot d’una sèrie d’edificacions on està instal·lat i que ens obre les seves portes perquè puguem contemplar el seu interior. Així doncs, l’accés es realitza per una mansió que s’havia construït al segle XV i XVI en un lloc aliè al que ara ocupa, però que, en ser traslladat pedra a pedra, va donar origen al descobriment de la Barcino romana i visigoda; (els qui sentin curiositat per conèixer com vivien els hispanoromans, com eren els seus establiments comercials, etc. a Barcino, poden entrar a Musguide (www.musguide.net) i triar la ruta “La Catedral de Barcelona i els seus Voltants”). A les seves instal·lacions pertanyen també l’elegant capella de Santa Àgata de l’any 1302, el famós Saló del Tinell construït en només 3 anys pel rei Pere el Cerimoniós entre 1359 i 1362, com així també el Palau Reial.

Va haver-hi una època en què Barcelona va ser capital d’un dels majors imperis comercials del Mediterrani. Es van crear grans fortunes entre la població burgesa; la Ciutat, emmurallada, mancava de terreny edificable; grans comerciants i navegants de la població civil i de la noblesa van buscar en els poblats propers llocs on edificar els seus palaus, competint entre ells per aconseguir el palau més sumptuós. Van triar el carrer de Montcada pertanyent a la població de la Ribera o de Santa María del Mar. La Nit dels Museus ofereix l’oportunitat de poder visitar varis d’aquests palaus per dins, al mateix temps que es visita el Museu Picasso que ocupa 5 dels edificis allí aixecats amb els diners de les grans fortunes burgeses. (Recomanem entrar a Musguide (www.musguide.net) i triar la ruta “Santa María del Mar i la Ribera”).

En els monestirs sempre es respira la pau i la tranquil·litat del que va anar la vida cenobial. Els segles cauen damunt dels qui els visiten. La Nit dels Museus permet conèixer un monacat d’estil gòtic català situat al barri de Sarrià, en la part alta de la ciutat Comtal. Durant gairebé set segles i fins a fa molt poc van viure en aquest Monestir les monges de clausura les germanes Clarisses. Una vida de silenci dedicada a l’oració. Aquest silenci impregna les seves pedres, el seu claustre, les seves cel·les, la seva capella, i fins al carrer que condueix fins a ell. Val la pena visitar les seves dependències com la sala capitular, la cuina, el refetor, el celler, les cel·les,…per tenir una idea de com era la vida de tan admirades monges.

Museuming
Museuming all the day!

Són tants i tants els museus a visitar segons els gustos de cadascú que no tindríem espai per dedicar-nos a tots ells. L’objectiu d’avui és el de donar a conèixer una iniciativa municipal que a tots els que estimem la cultura ens ha de semblar lloable i aprofitar la bellesa que ens ofereix la seva arquitectura i interiors de molts museus.

I si voleu fer Museuming sempre tots els dies de l’any, no dubteu a entrar a Musguide i a disfrutar!

El 17 de maig de 19h a 1h els continguts seran gratuïts, recolzant la iniciativa de la Nit dels museus.

I si us agrada feu un Muslike a facebook i comenteu.

El Temple expiatori de la Sagrada Família

Façana de la Passió. Sagrada Família
Façana de la Passió. Sagrada Família

Quan en 1910 s’anava a presentar la maqueta de la Façana del Naixement a l’Exposició de París, arquitectes que col·laboraven amb Antoni Gaud í en la construcció de l’Obra li van preguntar què haurien de respondre si els demanaven per l’estil en què es feia el Temple. Gaudí els va contestar que respongueren que estaven intentant fer “un millorament del gòtic”. I evidentment el gran Mestre va millorar tant el gòtic que creà un nou estil, una al·legoria traspassada a l’arquitectura en forma d’un llenguatge simbòlic escrit en cada pedra. Un esperit tan ple de religió, de mistecisme i de bíblia necessitava deixar un testimoni de les seves creences esculpit en les parets exteriors del Temple. Aquest esperit va ser molt ben interpretat pels arquitectes que van continuar la construcció d’aquesta gran Obra d’art, tal com Gaudí volia. La nova arquitectura continua amb fidelitat el pensament gaudinià, encara que faci servir, com és normal, tècniques pròpies del nostre temps. A tot això cal adjuntar la creativitat del gran Josep Mª Subirachs; l’escultor transformà la Façana de la Passió amb una representació d’una gran tragèdia d’estil clàssic: cada grup escultòric parla per ell mateix, no cal més explicacions, n’hi ha prou veient-lo.

Tothom que ve a visitar la ciutat de Barcelona vol veure amb els seus propis ulls les meravelles que va sentir explicar del Temple Expiatori de la Sagrada Família. Els que vivim la Ciutat trobem que és normal. La Sagrada Família a ningú deixa indiferent, les persones que s’hi arriben obren els ulls i expresen un oh! d’admiració en veure el Temple. Els visitants omplen els voltants, les façanes, les places,… i per tant, no sempre és fàcil poder recrear-se en contemplar una obra tan plena de simbolismes, com per exemple la lletra M inicial de Maria entre el portal de la Caritat i el de la Fe, o els signes del zodíac, o la natura exhuberant de la Façana del Naixement, etc.

La ruta que presentem a Musguide del temple de La Sagrada Família intenta ser un ajut per mitjà de la imatge i de text explicatiu per tal d’exposar les particularitats més essencials de cada façana i intentar donar una pauta per conèixer els misteris que pretenia Gaudí mitjantçant els diversos simbolismes.

Moltes vegades caldrà abstreure’s de tot el conjunt per tal de fixar la vista en detalls, un a un, a fi de treure profit de tota la proposta representativa que l’Arquitecte volgué deixar imprés en la pedra arenosa de Montjuïc.

Musguide convidada a la sessió del Fòrum TurisTIC 2014, amb la ponència “La cultura està a les teves mans”

El Forum TurisTIC reuneix a 1.400 congresistes

Musguide une a los amantes del arte

Empreses i institucions dels sectors turístic i tecnològic han compartit al llarg de dos dies experiències i tendències per fer més rendible i competitiva tota la cadena de valor.

1.400 congressistes presencials i 700 online han seguit la segona edició del ForumTurisTIC. El congrés ha estat organitzat pel centre tecnològic Barcelona Digital per donar a conèixer experiències i tendències per fer més rendible i competitiva tota la cadena de valor d’un dels principals sectors de l’economia catalana a partir de les tecnologies digitals.

El segon dia del congrés ha estat enfocat a la cerca de nous mercats, a la importància de desenvolupar i cultivar relacions en xarxa, recomanacions i reputació online, a la tendència peer to peer (o com els ciutadans comparteixen el seu coneixement per crear millors experiències d’oci) i a conèixer les aplicacions més interessants i creatives del sector turístic.

Les apps més novedoses enfocades al turisme s’han mostrat a la sessió Apps shots. Entre elles, algunes dirigides a que les pròpies empreses de serveis turístics creïn la seva pròpia app a partir de les seves preferències o els seus serveis, altres enfocades al món cultural (Musguide o l’app del Park Güell) o altres multicanal, com l’app de Logitravel, presentada en primícia al Forum TurisTIC.

Musguide: La tecnologia al servei de l’art i la cultura.

  • Una gran galeria d’exposicions i rutes culturals en una sola app, per a disfrutar-les quan vulguis, on vulguis i com vulguis.
  • Una comunitat i xarxa social d’art i cultura, que abarca i relaciona als diferents agents artístics i culturals.
  • Una millor experiència turística cultural, per a poder disfrutar d’una experiència més completa i enriquidora durant la visita, gràcies a l’ampliació de continguts mitjançant vídeo, so, realitat augmentada, geolocalització,…

MusLike!

Aquí us mostrarem la presentació de Musguide:

Barcelona viva

L'Hospital de Sant Pau

Barcelona és atractiva en la seva varietat constant i per això es va sentir encotillada en en excés fins que l’obstinació d’uns homes sagaços li van permetre, no sense temor, trencar les seves muralles ancestrals. La llibertat li va donar ales de vol i aquí va començar el seu inconformisme perquè volia adaptar-se amb plenitud a tot el nou que corria per Europa; i no, com fins llavors, vivint-ho des de lluny. Envejava tot el que es coïa a París o a Londres o a qualsevol altra ciutat avançada d’Europa; va lluitar, va lluitar i va lluitar; però va valer la pena, doncs també va poder capitalitzar exposicions, fires, congressos,… perquè el mirall en què es miraven les altres ciutats avançades es pogués convertir també en mirall propi.

Pel seu afany constant va ser capital de jocs esportius com els del Mediterrani; va obtenir els Olímpics per mereixement propi, però també perquè l’olimpisme se sentia deutor amb ella a causa que altres Jocs no van ser possibles per motius bèl·lics.

Si l’”Art Nouveau” va ser per a algunes ciutats europees, explicant entre elles a París, una moda efímera i passatgera en certa manera, Barcelona va transformar aquest moviment artístic com si fos un patró propi per tota Catalunya, donant-li a aquestes tendències procedents de la Capital francesa unes variants fonamentals i diferenciades de manera tal que li separen de l'”Art Nouveau” i se li coneix com a Modernisme; a aquest moviment algú ho va definir com “el mal gust més bell que existeix”, que equival a dir que la seva adaptació a la societat no va ser fàcil i per aquest motiu li van ploure pals per onsevulla. Les crítiques no van anar només per a les arts plàstiques, sinó també per a l’arquitectura i la literatura.

No obstant això avui admira aquest estil i ja està disseminat per tot el món. Sempre que un vianant es passegi pel Quadrat d’Or podrà veure palaus, edificis d’habitatges, esglésies, fanals,… i el que més crida l’atenció, es pot “trepitjar modernisme” de manera real; per a això n’hi ha prou amb fer un volt pel Passeig de Gràcia i les rajoles són un disseny d’Antonio Gaudí que es va inspirar en motius marins: estels de mar, petxines i algues estan presents en rajoles hexagonals.

Aquests dies els diaris notifiquen que la Ciutat quedarà ocupada per més de 75.000 congressistes del Mobile; sembla que l’ocupació hotelera està al 100%. Molts diuen que també vénen atrets pels arquitectes del Modernisme, especialment per Gaudí. A alguns no els importa pagar preus espectaculars per les tres jornades de durada del Congrés; és més, afirmen que per altres congressos a París i Montecarlo les habitacions els costen 5 o 6 vegades més cares. La cuina catalana tampoc es queda enrere i comenten que les tapes són molt apetitoses i entren dins del menú.

D’altra banda s’anuncia que les obres de restauració de la Ciutat-Hospital de Sant Pau han arribat a la seva fi. El modernisme interpretat pel gran arquitecte Lluís Domènech i Montaner ja pot ser visitat amb tot el seu esplendor; és una bona notícia per als amants d’aquest Art. El prolífic autor del Palau de la Música ens torna a mostrar tota la bellesa vegetal en aquesta sublim obra al mateix temps que la seva interpretació d’aquest art. Així doncs, durant tres setmanes podrà ser visitat de portes obertes al públic. Val la pena gaudir de les seves arcades, de les seves roses, de la seva ceràmica,… d’una joia preciosa que trasllada la ceràmica a l’arquitectura. Els congressistes del Mobile podran gaudir del llegat de Domènech i Montaner.